Kompozycja w grafice użytkowej

Grafika do artykułu_Kompozycja w grafice użytkowej

Zgodnie z definicją, kompozycja to połączenie i zaaranżowanie elementów wizualnych w taki sposób, aby były przyjemne i łatwe w odbiorze. Stosowanie jej we właściwy sposób naprowadza odbiorcę na to, co jest w projekcie najbardziej istotne. Zastosowana błędnie może wzbudzać niechęć i niepokój. Jest to najważniejszy aspekt sztuk wizualnych – malarstwa, grafiki, fotografii oraz filmu. Na kompozycję składają się głównie linie, kształty, kolory, faktury, światłocienie i perspektywa.

Rodzaje kompozycji

Poniżej wyróżniłem najważniejsze rodzaje kompozycji.

Centralna

Główne elementy znajdują się w centrum projektu.

Rodzaje kompozycji_centralna

Symetryczna i asymetryczna

W kompozycji symetrycznej środek projektu przecina linia a elementy rozkłada się równomiernie po dwóch stronach. W asymetrycznej elementy rozkłada się nierównomiernie.

kompozycja w grafice użytkowej_symetria i asymetria

Otwarta i zamknięta  

W kompozycji otwartej elementy „wychodzą” poza granice projektu. W zamkniętej mieszczą się w jego granicach i tworzą jedną całość.

Kompozycja otwarta i zamknięta

Statyczna i dynamiczna

W kompozycji statycznej elementy układa się w sposób zrównoważony i uporządkowany, przeważnie w poziomie i pionie. Dynamiczna oddaje wrażenie ruchu, elementy często ułożone są pod kątem.

Kompozycja statyczna i dynamiczna

Zrównoważona

Jest to kompozycja w grafice użytkowej, w której twórca wszystkie elementy rozmieszcza równomiernie. Żadna z części nie jest „cięższa” od innych.

Zrównoważona kompozycja w grafice użytkowej

Kompozycja w grafice użytkowej – najważniejsze zasady

Podczas budowy kompozycji powinniśmy mieć na uwadze trzy główne cele: punkt skupienia, struktura i balans

Punkt skupienia

Element (w jęz. ang. nazywany focal point), na który chcemy zwrócić uwagę odbiorcy w pierwszej kolejności, jest kluczową kwestią kompozycji. Optymalnie jeśli eksponujemy jeden taki punkt oraz 1-2 punkty dodatkowe, mniej ważne.

Jest kilka czynników, które pomagają przyciągnąć oko w to jedno miejsce:

Kontrast – najłatwiej zbudować go za pomocą kolorów i wielkości.

Kontrast w grafice użytkowej

Nasycenie koloru – mocno nasycony kolor zawsze wyróżnia się na tle kolorów mniej nasyconych. Więcej o kolorach dowiesz się tutaj.

Nasycenie w kompozycji w grafice użytkowej

Rozmycie – ostry element w towarzystwie elementów rozmytych bardziej rzuca się w oczy.

Rozmycie w kompozycji graficznej

Rytmw grafice jak w muzyce, rytm wprowadza harmonię i jest dobrze odbierany.

Przykład rytmu w grafice użytkowej

Ruchw naturze ruch jest odbierany jako potencjalne zagrożenie i zwraca uwagę.

Kompozycja w grafice użytkowej_ruch

Twarze i figury ludziw sposób naturalny przyciągają ludzkie oko.

Twarze i figury ludziw grafice

Linie naprowadzająceto elementy projektu, który ułożone są w taki sposób, aby kierować wzrok na główny motyw.

Linie naprowadzające jako element kompozycji w grafice użytkowej

Ramyzawężają pole skupienia wzroku na elementach wewnątrz.

Stosowanie ram_grafika

Struktura

Kolejna z trzech głównych zasad dotyczących kompozycji polega na organizacji elementów według konkretnych technik. W projekcie można użyć tylko jednej lub kilku na raz. Warto pamiętać o tym, że nawet nieudana próba wykorzystania jednej z technik da lepszy efekt niż chaos. Najważniejsze z nich to:

Trójpodziałpolega na podzieleniu widoku na dziewięć równych części, przecinając go liniami. Miejsca przecięcia są to tak zwane mocne punkty kadru, tam w pierwszej kolejności wędruje nasz wzrok.

Trójpodział w kompozycji graficznej

Złoty podział (boska proporcja)jest to wynikający z przyrody (w teorii idealny) stosunek długości dwóch linii – 1:1,1618. Czyli przykładowo, jeśli krótsza linia ma 1 cm, dłuższa będzie miała 1,1618 cm. Złoty podział to dość złożony temat i ciężko wytłumaczyć całość jednym zdaniem, jest natomiast na tyle fascynujący, że warto bardziej się w niego zagłębić.

Złoty podział

Symetriaporządek zawsze jest przyjemny dla oka, najprościej uzyskać go rozkładając elementy równomiernie po dwóch stronach projektu.

Kompozycja w grafice użytkowej_symetria

Balans

Kolejna z zasad kompozycji. Polega na tym, żeby zachować równomierną „wagę” projektu poprzez rozłożenie elementów. Jeśli jedna strona obrazu jest cięższa, należy po przeciwnej stronie zbalansować go podobnej wielkości obiektem lub kilkoma mniejszymi, które łącznie będą wyglądać podobnie.

Stosowanie balansu w kompozycjach w grafice użytkowej

Kompozycja w grafice użytkowej – najważniejszy cel

Kompozycja w grafice użytkowej ma jedno, najważniejsze zadanie – powinna przykuć uwagę do kluczowego elementu, który chcemy pokazać lub sprzedać. Mimo że przedstawione zasady w większości opracowano setki lat temu, to do dzisiaj są aktualne! Wciąż z powodzeniem stosuje się je w obecnym świecie, gdzie jesteśmy zalewani informacją i obrazem bez przerwy. Warto więc zadbać o przewagę nad konkurencją w każdy możliwy sposób. Jeżeli temat Ciebie zainteresował, poznaj też mój wcześniejszy wpis o typografii w marketingu.

#samnektar by Łukasz Kiersznikiewicz

Jeżeli szukasz agencji, która zrozumie Twoje biznesowe potrzeby i przełoży je również na obszar kreacji wizualnych:

Typografia w marketingu

Typografia w marketingu

Głównym celem projektowania graficznego jest przekazanie treści odbiorcy za pomocą kompozycji, barwy, hierarchii oraz typografii. Mam wrażenie, że właśnie to ostatnie narzędzie jest najbardziej niedoceniane. Ale czy słusznie? Zanim przejdziemy do sedna i opisu, jaką rolę pełni typografia w marketingu, wyjaśnijmy sobie sprawę, przez którą niejeden użytkownik facebookowych grup o designie został zlinczowany.

Czcionka czy font?

W mojej opinii nazewnictwo nie jest najważniejsze. Ważne, żeby ludzie rozumieli komunikaty. Natomiast dla porządku, wyjaśnijmy sobie podstawowe terminy, które często są ze sobą mylone:

Czcionka – jest to fizyczny stempel, który pokryty farbą odbija pojedynczy znak na papierze (np. literę lub cyfrę). W świecie cyfrowym czcionka oznacza obraz pojedynczego znaku.

Typografia w marketingu_czcionka
Przykład czcionki

Krój pismazestaw cyfrowych czcionek jednego typu (litery alfabetu, cyfry, znaki specjalne itd.), np Arial czy Times New Roman.

Przykłady krojów pisma

Odmiana kroju pismagłówne odmiany to grubość (np. light, regular, bold oraz wiele pośrednich) i szerokość (condensed – zwężone; extended – rozszerzone), pochylenie (italic – kursywa).

Odmiany krojów pisma_typografia w marketingu
Odmiany krojów pisma

Fontnajczęściej zestaw czcionek danego kroju (np. Arial) i odmiany (np. bold). Czyli „Arial Pogrubiony” i „Arial Kursywa”, to dwa różne fonty jednego kroju Arial.

Font

Główne rodzaje krojów

Szeryfowe (serif) – poprzeczne lub ukośne zakończenia kresek głównych liter danego kroju pisma, czyli charakterystyczne “daszki”. Sprawia wrażenie elegancji i formalności.

Rodzaje krojów_typografia w marketingu

Bezszeryfowe (sans serif)krój pozbawiony szeryfów, bardziej geometryczny i modernistyczny.

Egipcjanki (slab serif)najłatwiej można go opisać jako geometryczny krój szeryfowy.

Dekoracyjne (display) – specjalne kroje stosowane przede wszystkim do nagłówków, ponieważ najlepiej prezentują się w dużych rozmiarach. Każdy z nich ma swój styl i pomaga uzyskać unikalny wygląd projektu. Ze względu na ich mnogość ciężko o uniwersalne zasady stosowania.

Dekoracyjne kroje_typografia w marketingu

Odręczne (script) – czyli krój pisany odręcznie lub stylizowany na odręczny.

Jak komponować teksty?

Temat bardzo złożony i nie ma tu jednoznacznych odpowiedzi. Jest natomiast kilka zasad, które pomogą ulepszyć wizualnie przekaz tekstu.

Z uwagi na specyfikę naszej agencji, skupimy się na produktach cyfrowych. Jako przykład stworzymy post lifestylowy na Facebooka w formacie 1200 × 1200 pikseli. Post zawiera jedynie tekst i jedno zdjęcie.

KROK 1 

Krój – Dobieranie krojów pisma wbrew pozorom jest zadaniem trudnym. Bezpiecznym rozwiązaniem jest pójście za tłumem. Używaj krojów popularnych, jednego, maksymalnie dwóch na jednym projekcie. Paruj kroje szeryfowe z bezszeryfowymi. Do nagłówków wybrałem Szeryfowy Times New Roman, który w moim odczuciu  pasuje do klimatu klasycznej motoryzacji i publikacji z lat 80. Natomiast do paragrafów bezszeryfowego Poppinsa, który dobrze kontrastuje z nagłówkami oraz jest bardzo czytelny.

KROK 2

Hierarchia tekstu – Kluczowym elementem w konstruowaniu tekstów jest hierarchia. Dobrze zastosowana odruchowo kieruje wzrokiem użytkownika od najważniejszych do mniej ważnych informacji. Efekt ten można osiągnąć przez powiększenie, pogrubienie i pochylenie partii tekstu. Dąż do równowagi optycznej. W przypadku naszego projektu znacznie powiększony (128 pikseli) oraz pogrubiony został pierwszy nagłówek, drugi jest ok. połowę mniejszy (56 pikseli) oraz pochylony. Paragraf jest najmniejszy o regularnej grubości.

KROK 3

Tracking – Tracking to odległość między literami regulowana w całym bloku tekstu (nie mylić z kerningiem, czyli regulacją pojedynczych liter w wyrazie). Jeśli nie masz pewności jakie ustawienia będą odpowiednie w danej sytuacji, najrozsądniej jest zostawić parametry wyjściowe. W naszym projekcie zwęziłem nagłówki (-40 i -20), ponieważ w tej sytuacji wyglądają znacznie zgrabniej. Dzięki dużemu rozmiarowi, czytelność nie została zaburzona. Paragraf został bez zmian.

Interlinia – czyli odległość między wersami. Standardowo powinna wynosić około 120–145% fontu, ale ostateczną decyzję musi podjąć projektant w zależności od okoliczności. Pamiętaj, że im mniejszy tekst tym interlinia powinna być większa, żeby uzyskać lepszą czytelność. W  naszym przykładzie interlinia w paragrafie wynosi 150%.

KROK 4

Justowanie – wyrównanie tekstu do lewej strony, środka lub prawej strony. W większości przypadków teksty justowane są do lewej strony. Wynika to z tego, że w zachodniej kulturze czytamy od lewej i jest to najbardziej naturalny układ dla oka. Dobrą praktyką jest niedzielenie słów.

KROK 5

Siatka – to potężne narzędzie pozwalające na rozmieszczenie elementów w matematycznym porządku, aby uzyskać wizualną spójność. Siatki możesz rysować indywidualnie, wedle bieżących potrzeb.

KROK 6

Kolor – Aby blok tekstu nie był zbyt jednolity, drugi nagłówek jest czerwony, a paragraf szary. Również pierwszy nagłówek jest lekko rozbielony. Dobrą praktyką w produktach cyfrowych jest stosowanie mniej nasyconego czarnego, kiedy występuje na ekranie jest bardziej przyjemny dla oka niż głęboka czerń.

KROK 7

Ozdobniki – patrz na litery jak na kształty, które mogą być również dodatkiem, nawet jeśli nie przekazują istotnych informacji. Na naszym przykładzie duże słowo „Ferrari” pięknie zamyka kompozycję z dołu i dodaje unikalny efekt wizualny.

Dodatkowo warto również zapoznać się z zasadami minimalizmu w projektowaniu.

Poniżej możecie zobaczyć post przed i po typograficznej „obróbce”. Który wygląda lepiej? Oceńcie sami!

Typografia w marketingu do nadrobienia

Typografia w marketingu często traktowana jest po macoszemu. Zdecydowanie mówi się tutaj więcej o kompozycji, czy barwach. Może być to spowodowane tym, że litera sama w sobie przekazuje treść, a jak ta litera wygląda – jest sprawą drugorzędną. Jest to bardzo mylne spojrzenie i tekst ten ma na celu rozszerzenie świadomości na ten temat. Typografia nie jest dodatkiem do projektu, lecz jego najważniejszym elementem – im lepiej zaprojektowane liternictwo tym wyższa jakość odbioru. Typografia jest osobnym działem grafiki, a moim zdaniem nawet sztuki. Aby tworzyć spójne kroje pisma potrzeba dużo wiedzy i czasu – doceńmy to i przywiązujmy większą wagę do tego jak nasze teksty wyglądają.

#samnektar by Łukasz Kiersznikiewicz/Beeffective

Jeżeli szukasz agencji, która zrozumie Twoje biznesowe potrzeby i przełoży je również na obszar kreacji wizualnych

Znaczenie kolorów oraz ich rola w projektowaniu

Znaczenie kolorów oraz ich rola w projektowaniu

Wszystko ma swój kolor. Niestety dla wielu osób kolory dzielą się jedynie na ładne i brzydkie. Temat jest jednak trochę szerszy, a badania nad nim trwają od setek lat. W tym tekście chciałbym Wam przedstawić kilka podstawowych, lecz ciekawych aspektów zwracających uwagę na samo znaczenie kolorów, jak również ich rolę w procesie projektowania.

Barwa czy kolor?

Powszechnie uznaje się, że barwa i kolor to synonimy. W gruncie rzeczy jest to nieprawda.

Fala światła wpadająca do naszego oka, dzięki fotoreceptorom, jest przekazywana do mózgu, który tworzy wrażenie nazwane barwą. W zależności od konkretnych długości fali, rejestrujemy trzy barwy podstawowe – czerwoną, zieloną i niebieską (Red, Green, Blue – RGB). Do oka trafiają również fale o innych długościach, wtedy nasz mózg odbiera je jako barwy pośrednie – wynikające z połączenia barw podstawowych. Barwa definiowana jest jedynie przez długość fali. Kolorem natomiast nazywa się barwę definiowaną przez kilka parametrów:

ODCIEŃ, czyli barwa znajdująca się w spektrum barw podstawowych, które ludzkie oko odczuwa jako wyraźnie inne od pozostałych, np. czerwony, zielony, niebieski czy żółty.

Znaczenie koloró_odcień
Odcień

NASYCENIE, czyli intensywność barwy. Bardziej nasycone odbierane są jako “żywe”. Mniej nasycone, zdają się przytłumione i bliższe szarości.

Znaczenie kolorów_nasycenie
Nasycenie

JASNOŚĆ, czyli ilość światła w barwie – im więcej tym kolor jest jaśniejszy.

Znaczenie kolorów_jasność
Jasność

Koło barw

Zastanawiałeś się kiedyś jak designerzy znajdują idealne kompozycje kolorystyczne?

Każdy z nas korzysta z koła barw, gdzie do dyspozycji mamy wszystkie kombinacje odcieni, nasycenia i jasności, dzięki którym można “wyprodukować” każdy kolor. Są na to oczywiście różne schematy:

MONOCHROMATYCZNY, czyli stworzony z różnych jasności tej samej barwy.

Schemat monochromatyczny
Schemat monochromatyczny

ANALOGICZNY, czyli złożony z sąsiadujących barw.

Schemat analogiczny

UZUPEŁNIAJĄCY, czyli połączenie barw z przeciwnych stron koła.

Schemat uzupełniający

TRIADY I TETRADY, powstają przez zakreślenie trójkąta lub prostokąta i wybranie barw z wierzchołków figur.

Znaczenie kolorów_Triady i tetrady
Triady i tetrady

Psychologiczny aspekt a znaczenie kolorów

Kolor jest potężnym narzędziem komunikacyjnym, który niesie za sobą ładunek emocjonalny. Ich odbiór jest często uzależniony od osobistych preferencji i doświadczeń, ale przeważnie dane kolory wywołują konkretne skojarzenia i odczucia.

CZARNY

Kolor neutralny, uniwersalny. Budzi skojarzenia elegancji, wyrafinowania. Do dzisiaj mała czarna jest symbolem mody i szyku. Czarny związany jest też z władzą – sutanny, smokingi, karty kredytowe. Oznacza również śmierć, żałobę, tragedię, zło – czarny czwartek, czarny charakter, Darth Vader. Stosowany jest często przez marki chcące podkreślić swoją ekskluzywność i luksus (np. Prada czy Chanel).

BIAŁY

Podobnie jak czarny, jest bardzo uniwersalny. Oznacza czystość i niewinność. Buduje wrażenie przestrzeni i prostoty, które są podstawą minimalizmu w projektowaniu. Kojarzy się również z pustką, zimnem, wyizolowaniem. Biały jest doskonałym tłem i kontrastem dla barw podstawowych oraz ich ciemniejszych kombinacji.

CZERWONY

Powoduje największe (i często skrajne) emocje ze wszystkich kolorów. Symbolizuje miłość, nienawiść, energię i władzę – serce, czerwony dywan. Jest również drugim najbardziej zauważalnym kolorem (po żółtym), dlatego używa się go, żeby zwrócić uwagę i ostrzegać przed niebezpieczeństwem – znaki stopu, światła stopu, syreny strażackie, czerwony alarm. Kojarzy się również z ogniem i krwią. Stosowany przez firmy chcące pokazać swoją pasję, pewność siebie i ekscytację (Red Bull, Coca-Cola, Lego). Ciekawostką jest to, że czerwień powoduje fizyczne reakcje organizmu, np. zwiększenie apetytu. Z tego powodu jest często używany w branży gastronomicznej – we wnętrzu restauracji lub na opakowaniach produktów (Pizza Hut).

Projekty dla Sportpoland z branży sportowej_znaczenie kolorów
Projekty dla Sportpoland z branży sportowej

NIEBIESKI/GRANATOWY

Symbolizuje spokój, stabilność, porządek, ale również smutek i melancholię. W odczuciach jest przeciwstawny do czerwonego. Niebieski stosowany jest przez firmy chcące wzbudzić w odbiorcach poczucie bezpieczeństwa, zaufania, niezawodności czyli np. towarzystwa ubezpieczeniowe, banki czy firmy technologiczne (Nordea, IBM, Facebook).

Projekty dla DIH4.AI z branży technologicznej

ZIELONY

Reprezentuje naturę, zdrowie, harmonię, balans, pieniądze. Zielony kolor uspokaja i pomaga nam przystosować się do nowych miejsc, dlatego jest często wykorzystywany w przestrzeniach publicznych. Mocno kojarzy się też z ekologią, więc jest chętnie używany przez firmy, które chcą to takiej grupy aspirować, mimo że ich działania z ekologią nie mają nic wspólnego (np. BP). Również marki zajmujące się naturą lub finansami identyfikują się za pomocą tego koloru (Animal Planet, Getin Bank).

Projekty dla AB Inwestor z branży deweloperskiej - przekaz silnie powiązany z naturą
Projekty dla AB Inwestor z branży deweloperskiej – przekaz silnie powiązany z naturą

ŻÓŁTY

Najbardziej intensywny kolor, szybko zwraca uwagę, należy go jednak używać z rozwagą ponieważ żółty o dużym nasyceniu może być nieczytelny. Kojarzy się z ciepłem, jasnością, energią. Żółtego używają firmy chcące być kojarzone ze szczęściem i optymizmem (McDonald’s, IKEA).

FIOLETOWY

Symbolizuje wiedzę, królewskość, odwagę, kreatywność, tajemnicę, luksus. Ponieważ fiolet rzadko występuje w naturze, używają go firmy które chcą utożsamiać się z kreatywnością oraz oryginalnością (Milka, FedEx).

Projekty dla Nethansy z branży technologicznej - nacisk położony na innowacje
Projekty dla Nethansy z branży technologicznej – nacisk położony na innowacje

POMARAŃCZOWY

Kojarzy się z energią, entuzjazmem, ciepłem, spontanicznością. Tak samo jak pozostałe ciepłe barwy, przykuwa oko. Używają go marki chcące kojarzyć się z radością i optymizmem (Fanta, Mastercard).

Znaczenie kolorów_pomarańczowy_Beeffective
Projekty wewnętrzne Beeffective

RÓŻOWY

Stereotypowo jest to kolor kobiecy. Kojarzy się z opieką, wrażliwością, ciepłem, radością. Najczęściej posługują się nim marki które chcą być kojarzone z kobiecością (Barbie, Victoria’s Secret). Róż w zależności od nasycenia i jasności może być zarówno relaksujący jak i bardzo denerwujący.

Projekty dla Flawless z branży odzieżowej
Projekty dla Flawless z branży odzieżowej

Znaczenie kolorów ma sens

Znaczenie kolorów i ich oddziaływanie jest niezwykle ważnym elementem w designie i przy odrobinie wiedzy możemy dostosować ten obszar na potrzeby danego produktu oraz tego, jakie wartości chcemy dzięki niemu przekazać. Należy jednak pamiętać, że odbiór barw jest bardzo subiektywny. Mają na to wpływ różne dysfunkcje wzroku, ale też kultura. Znaczenie kolorów tutaj opisanych ma zastosowanie głównie w świecie zachodnim, symbolika ta może być inna np. w Chinach. Dlatego w czasie projektowania warto pamiętać, aby dodatkowo stosować inne wyróżnienia niż barwa.

#samnektar by Łukasz Kiersznikiewicz

Jeżeli szukasz agencji, która zrozumie Twoje biznesowe potrzeby i przełoży je również na obszar kreacji wizualnych

LESS IS MORE, czyli minimalizm w projektowaniu

Minimalizm w projektowaniu

Podobno był czas w historii, kiedy przeciętny człowiek przyswajał tyle informacji przez całe życie, ile my przyswajamy w jeden dzień. W erze Internetu zalewani jesteśmy treścią ze wszystkich stron. Każdy może publicznie wyrazić swoje zdanie, przekazać informację, zareklamować siebie lub swój biznes. Każdy próbuje się wyróżnić, co spowodowało, że również reklamy stały się bardziej agresywne. Zamiast brać udział w tym wyścigu, spróbuj zbudować przewagę stosując zupełnie odwrotną filozofię – minimalizm w projektowaniu.

Co to jest minimalizm?

Minimalizm, w ogólnym pojęciu, odnosi się przede wszystkim do filozofii życia – pozbycia się nadmiaru rzeczy, potrzeb i skupieniu się na rzeczach kluczowych – wzbogacających nasze życie. W sztuce nurt ten charakteryzuje się ograniczeniem środków plastycznych w dziele.

Minimalizm w projektowaniu graficznym (bo na nim się głównie skupimy) często jest błędnie określany jako styl wizualny. Jest to nie tyle styl, co zasady, którymi projektant może się kierować. Projekt minimalistyczny wykorzystuje tylko najważniejsze elementy, podstawowe kształty i kolory. Dobrze zastosowane tworzą kreację łatwą w przekazie, ale niekoniecznie nudną. Nie chodzi o to, żeby wszystko było identyczne i bez żadnego wyrazu, a raczej o zachowanie umiaru i skupienie się na tym co chcemy przekazać, a nie jak. Dobrym przykładem jest firma Apple. Zarówno cały branding jak i design produktów jest bardzo oszczędny, ale jednocześnie charakterystyczny i ponadczasowy.

Poprzez ograniczenie ozdobników eksponuje się najważniejsze elementy, a także poprawia czytelność oraz użyteczność (np. w przypadku stron internetowych lub aplikacji), a także kieruje uwagę odbiorcy na to, co naprawdę chce się mu przekazać – niezależnie czy jest to idea, czy produkt komercyjny. Dodatkową zaletą minimalistycznego designu jest możliwość zaprojektowania go za pomocą najprostszych narzędzi.

Recepta na sukces

A więc jaka jest recepta na sukces?
Otóż, jakby odpowiedział każdy szanujący się projektant, to zależy. Nie ma jednego przepisu na optymalną komunikację wizualną, ale są pewne ogólne zasady, które sprzyjają lepszemu odbiorowi.

Spacing (neutralna przestrzeń)

Każdy grafik zareaguje na polecenie “zrób większe logo” śmiechem lub gniewem, ponieważ zdaje sobie sprawę, że ważny element nie będzie bardziej widoczny wtedy, kiedy będzie większy, tylko wtedy, kiedy będzie miał więcej białej przestrzeni wokół siebie.

Minimalizm w projektowaniu_neutralna przestrzeń

Balans

Dysponując małą ilością elementów w projekcie, łatwo jest dopuścić do sytuacji, kiedy któryś z nich będzie ułożony nierówno względem innego elementu. Odbiorca może nawet nie zdawać sobie sprawy dlaczego, ale podświadomość będzie mu podpowiadać, że coś jest nie tak w projekcie, na który patrzy. Prostym rozwiązaniem jest ich układanie niczym na starej wadze, symetrycznie wobec siebie, podobnymi wielkościami pojedynczych elementów lub grup. Warto również korzystać z systemu siatek, czyli poziomych i pionowych linii ułożonych w równych odległościach od siebie, które pomogą Ci równo rozłożyć elementy w projekcie.

Minimalizm w projektowaniu_balans

Kolory

Dobrą praktyką jest zasada 60/30/10, oryginalnie używana jest w wystroju wnętrz, ale z powodzeniem można ją zastosować w projekcie graficznym. Polega ona na procentowym rozłożeniu kolorów w projekcie. W naszym przypadku będzie to 60% koloru neutralnego (przeważnie białego), 30% koloru uzupełniającego i 10% koloru akcentującego. Nie powinna to być natomiast sztywna reguła a raczej sugestia. Osobiście uważam, że proporcje z większą ilością koloru białego dają lepsze efekty, ale często jest to kwestia gustu. Równie ważny co sam dobór kolorów, jest kontrast między nimi, im jest on większy, tym bardziej uwagę przykuje najważniejszy element designu.

Minimalizm w projektowaniu_kolorystyka

Font

Zamiast używać nietypowych krojów pisma, zdecyduj się na prosty i czytelny font. Dzięki temu będziesz miał pewność, że odbiorca z łatwością przyswoi treść. Warto również pamiętać o hierarchii informacji. Nagłówki, czy inne kluczowe teksty, można wyróżnić wielkością lub grubością fontu. Nie używaj więcej niż dwóch różnych fontów. Jeśli nie czujesz się na siłach, żeby je parować, zostań przy jednym.

Minimalizm w projektowaniu_fonty

O każdym z tych zagadnień napisane są książki, ale nawet taka podstawowa wiedza pomoże Ci znacznie podnieść jakość Twojego projektu. Jeżeli marka posiada swoją identyfikację wizualną, to wszystkie wymienione dobre praktyki stosuj w oparciu o jej wyznaczniki. Minimalizm nie wyklucza przecież spójności.

Nie idź drogą na skróty

Minimalizm nie jest jedyną słuszną drogą, ale na pewno efektywną i uniwersalną. W czasach kiedy ekrany w urządzeniach stają się coraz mniejsze (tak samo jak cierpliwość użytkowników), czytelność nie jest już miłym dodatkiem, lecz absolutnym priorytetem. Zawsze natomiast pamiętaj o szerszym kontekście i otoczeniu, w którym Twój projekt będzie funkcjonował.

#samnektar by Łukasz Kiersznikiewicz/Beeffective Team